Il prodotto di centinaia di anni di tradizione musicale e narrativa sposata alla tecnologia informatica, la musica dei videogiochi è passata da una curiosità tecnologica a qualcosa di vitalemente creativo. La prossima settimana a Melbourne, alcuni dei migliori compositori di videogiochi della nazione si riuniranno alla conferenza APRA AMCOS High Score per discutere lo stato dell'industria.

In che modo il suono dei videogiochi è passato da segnali acustici e suoni di cancellazione a spartiti musicali complessi a sé stanti?

Una favola raccontata musicalmente

In un senso, la musica dei videogiochi è strettamente legata alla composizione classica delle colonne sonore dei film, musica lirica, e balletto:spartiti musicali creati per accompagnare e completare una storia che viene raccontata con altri mezzi.

La musica dei videogiochi segue spesso questa tradizione. Ci sono melodie musicali per i personaggi, per i luoghi, anche per temi, che rispecchiano ciò che viene definito il leit motiv nell'opera, colonne sonore di balletto o film. Wagner diede a Siegfried una melodia per The Ring Cycle; John Williams ha regalato a Darth Vader una marcia imperiale; e nei videogiochi, i nostri eroi e cattivi ottengono i loro marchi musicali, pure.

Ma nonostante tutte le sue somiglianze, la musica dei videogiochi è sempre stata una bestia diversa. La musica non si limita ad accompagnare immagini e narrazioni, reagisce anche all'azione.

Questo perché i giocatori non si limitano a guardare quando si tratta di videogiochi. Eseguono anche azioni:premono pulsanti, muovono i personaggi, prendono decisioni. A sua volta, i videogiochi rispondono agendo sul giocatore, mostrando scelte, fornire ricompense e portarle via. La musica deve esistere come parte di questo delicato sistema.

Tirare i dadi

La reattività cambia i dadi e i bulloni di come funziona la musica dei videogiochi. Come si scrive una melodia per un menu di gioco che potrebbe essere lasciata sullo schermo da un giocatore per cinque secondi, o tre ore? Come si sviluppa un tema per un personaggio con cui alcuni giocatori potrebbero trascorrere ore, ma altri giocatori accelereranno nel loro cammino verso un'altra scena? Come funziona la musica di suspense se non sei sicuro di quanto saranno spaventati i tuoi giocatori, o per quanto tempo?

Forse il primo esempio di musica reattiva è nato per caso. Nel 1978, il ritmo musicale del gioco arcade di Taito Space Invaders è aumentato costantemente man mano che i giocatori avanzavano nel gioco. Più astronavi aliene il giocatore ha abbattuto, più veloce è la musica riprodotta. Il fatto che ciò fosse in parte dovuto a una stranezza dell'hardware del gioco (meno nemici sullo schermo significava che il gioco funzionava più facilmente) non ha diminuito il suo impatto sull'industria dei giochi.

Oggi, le cose possono essere un po' più complicate. Per il mio lavoro sul gioco dell'oca senza titolo uscito di recente, Ho diviso un brano per pianoforte solo scritto dal compositore Claude Debussy più di un secolo fa in diverse centinaia di sezioni da due a tre secondi. Poi ho creato due spettacoli di ciascuno:uno ad alta energia e uno a bassa energia. Gli sviluppatori del gioco hanno utilizzato questa musica per progettare un sistema che consente al software di scegliere se riprodurre le prestazioni ad alta o bassa energia, o anche il silenzio, in un dato momento.

Il risultato è qualcosa che suona un po' come se un pianista fosse nell'angolo della tua stanza, guardandoti mentre giochi, come un accompagnatore di un cinema muto cent'anni fa. Ma è il risultato di un sacco di codice, un sacco di problem solving, e molto pensiero creativo. Questo tipo di approccio ha più in comune con il avanguardia musica di un John Cage, o un'opera di Karlheinz Stockhausen, che ha aperto la strada alla musica aleatoria, dove qualche elemento della performance è stato lasciato al caso, come il lancio dei dadi.

La tradizione incontra la tecnologia

C'è tutt'altro che un modello di musica per videogiochi, anche se, e i quattro decenni trascorsi da Space Invaders hanno visto una varietà impossibile non solo di approcci tecnici diversi, ma suoni musicali diversi.

I soli videogiochi realizzati a Melbourne hanno caratterizzato il funk di The Bamboos per De Blob 2, una partitura orchestrale eseguita dalla Melbourne Symphony Orchestra per Jurassic Park:Operation Genesis, e un'emozionante opera per violoncello e pianoforte per Firenze. Abbiamo anche una fiorente scena "chiptune", dove le persone creano nuova musica da campioni tramite vecchie console per videogiochi.

Intorno al mondo, il suono del videogioco è diventato una specie di lingua franca per più di una generazione di giocatori. La musica dei videogiochi è a volte vista attraverso una nebbia nostalgica. Il regista Edgar Wright ha descritto la musica di Nintendo come "le filastrocche di una generazione", mentre girava il suo film Scott Pilgrim vs The World.

Infatti, è difficile sopravvalutare quanto la musica dei videogiochi sia diventata parte integrante della vita dei giocatori. Ad esempio, una semplice ricerca su YouTube per le cover della musica del franchise di Zelda di Nintendo, produce più di sei milioni di risultati, con i migliori video inclusi video con chitarre, a cappella cantando, marimba, e persino una performance musicale su bicchieri di vino.

La musica dei videogiochi è il suono di una delle nostre forme culturali contemporanee più popolari. Ancorati da storia e tradizione, e reso possibile da una tecnologia all'avanguardia. I compositori di videogiochi oggi creano mondi musicali amati da milioni di persone.

Questo articolo è stato ripubblicato da The Conversation con una licenza Creative Commons. Leggi l'articolo originale.